Erwin Wurm è considerato il più importante artista contemporaneo austriaco. Le sue opere sono state esposte nei più rinomati musei e gallerie del mondo, tra cui il Museum of Modern Art (MoMA) di New York e la Tate Modern di Londra. Ora ha creato una nuova serie di sculture: "Bad People" è stata realizzata in collaborazione con l'Accademia di Ceramica di Gmunden (AoCG) e può essere visitata presso la Gmundner Keramik Manufaktur. La mostra è l'ultimo progetto dell'AoCG come piattaforma per gli artisti, lanciata nel 2022 da Gmundner insieme a OÖ Landes-Kultur GmbH. L'attenzione si concentra sullo scambio tra la più antica manifattura ceramica d'Europa e artisti di fama internazionale, come ad esempio l'artista cinese Ai Weiwei.
In questa intervista, Erwin Wurm parla di volti e teste, dell'argilla come mezzo di design e del perché a volte è utile guardare attraverso la lente dell'assurdo.
Signor Wurm, per le sue nuove sculture in ceramica lei ha creato rappresentazioni paradossali di persone: nasi, orecchie, bocche e volti distorti. Qual è stata la sua idea e perché abbiamo a che fare con "persone cattive"?
Al centro di queste nuove opere ci sono innanzitutto idee di persone, o più precisamente di teste. Sperimento con il prototipo della testa, una forma per lo più rotonda e voluminosa, punteggiata da aperture. Occhi, orecchie, naso, bocca: questi elementi caratteristici costituiscono il punto di partenza. Spesso integrati da un collo, vengono da me ricontestualizzati, distorti e deformati. Ne risultano talvolta echi fisionomici, ma anche forme astratte che sfuggono a una chiara categorizzazione. È un gioco di percezione e di aspettative: cosa caratterizza esattamente una testa? Cosa ci sembra familiare, cosa strano e cosa potrebbe essere addirittura grottesco? Non sto perseguendo ritratti concreti o rappresentazioni specifiche di singole persone. Eppure il lavoro è rivolto a qualcosa di profondamente umano. I risultati sono davvero "persone cattive"? Io stesso non ne sono del tutto sicuro. Il titolo è servito più che altro a creare un quadro associativo vago. Il processo creativo vero e proprio, invece, è stato aperto, giocoso e in costante movimento.
Lei ha usato la ceramica come mezzo di espressione artistica. Cosa caratterizza l'argilla come mezzo creativo per lei?
Quando si lavora con l'argilla, accade qualcosa di sorprendente: si torna agli albori della scultura. Mettere entrambe le mani nell'argilla mi affascinava molto. Sentire come si attacca morbidamente tra le dita, come si può usare per costruire il volume, aggiungere e sottrarre di nuovo. In questo modo si possono esplorare i principi scultorei elementari, in una costante interazione tra intelletto e attività manuale. A volte la testa dirige il movimento delle mani, a volte le mani prendono il comando e la testa cerca di seguirle. È stato un processo molto interessante, difficile da descrivere, che mi ha allontanato dai processi abituali del mio lavoro artistico. In genere si tratta di realizzare idee e concetti concreti nei materiali, comprese le sfide che questo comporta. Lavorare con l'argilla, invece, ha fatto emergere qualcos'altro: un'immediatezza, una schiettezza, spesso sperimentale, guidata unicamente dal materiale stesso. Ci si ritrova improvvisamente al punto di partenza: nella sabbiera, dove figure, fantasie e forme venivano create dalla sabbia bagnata. Questo è in definitiva ciò che ho fatto qui: Sono tornato all'inizio e ho giocato.
Ci sono stati modelli o influenze particolari che sono stati importanti per lei quando ha lavorato con la ceramica e l'argilla?
In realtà volevo avere un approccio poco ortodosso o forse addirittura ingenuo a queste cose. In altre parole, volevo modellare con l'argilla qualcosa che normalmente non si farebbe con essa. Anche se, naturalmente, c'è sempre la possibilità di collocarsi inconsapevolmente in una continuità artistica. Io non mi conosco, e questo è il bello. Tuttavia, una cosa probabilmente mi ha già influenzato nel mio lavoro...
A cosa sta pensando esattamente?
Di recente ho lavorato molto sui primi manufatti, cioè sul modo in cui i nostri antenati si esprimevano. Gli strumenti che usavano da soli hanno qualcosa di incredibilmente urgente e incondizionato: asce a mano o aghi d'osso, per esempio. Si capisce: Qui è l'inizio, qui è dove l'uomo comincia a creare. Questo è stato anche ciò che mi ha affascinato così tanto mentre lavoravo a "Bad People": questo ritorno all'argilla - arcaico, elementare, quasi infantile.
Che ruolo ha avuto l'aspetto artigianale in questo processo? Lei ha realizzato il suo progetto presso la Gmundner Keramik Manufaktur.
Mettiamola così: per quanto riguarda l'artigianato, per me era importante solo che ciò che avevo creato potesse resistere alle alte temperature di cottura. E senza che nessun dettaglio si rompesse o andasse perso. Affinché tutto questo funzioni senza problemi, sono necessarie esperienza, cura e supporto. Nel mio caso, questo è arrivato dalle grandi persone in loco della Gmundner Keramik, che mi hanno accompagnato e sostenuto con le loro conoscenze. Lavorare con l'argilla è un processo che richiede molto tempo. Dopo aver sviluppato le mie sculture, tutto doveva essere asciugato. Solo allora è iniziata la fase successiva: la smaltatura. Si tratta di applicare una polvere di colore diluita che si scioglie durante la cottura e ricopre l'intero oggetto come una pellicola. Solo al termine di questo processo gli oggetti assumono il loro colore reale e corretto. La tonalità del colore è quindi completamente diversa al momento dell'applicazione. Questo era spesso irritante quando dipingevo. In un certo senso, dovevo pensare come un negativo fotografico. Questo comportava sempre un momento di incertezza: se tutto avrebbe funzionato come avevo immaginato.
"Bad People" riprende un elemento caratteristico della loro arte: deformano gli elementi della nostra vita quotidiana - le case, per esempio, o le automobili - e permettono così di avere una nuova prospettiva su di essi. Molti lo trovano divertente. Anche lei lo trova divertente?
C'è un certo fraintendimento: io non opero con l'umorismo. Non sono un raccontatore di barzellette o un comico. Ciò che mi interessa è il paradossale e l'assurdo. L'aggiunta o la riduzione del volume, ad esempio, può cambiare il contenuto e spostare i livelli di significato. In questo modo, la scultura può essere utilizzata per porre domande sul nostro presente. E in particolare su ciò che ci circonda immediatamente, che si tratti di case, automobili, cetrioli o teste e volti. Qualcosa di familiare che incontriamo in una forma diversa può sembrare divertente all'inizio. Ma mi interessa sempre il momento che segue: L'irritazione che può portarci a mettere in discussione ciò che diamo per scontato come parte della nostra realtà. Penso che quando si guarda attraverso la lente dell'assurdo, spesso si vede il mondo in modo più chiaro.
L'intervista è stata condotta da Manuel Weißhaar GeSK, Agenzia per le relazioni pubbliche.
